Let´s Get Lost

Let’s Get Lost
Director: Bruce Weber
País: Estados Unidos
Año: 1988
Charlie Parker llamó en forma urgente a Dizzie y a Miles después de escuchar a Chet Baker: “Este blanco es peligroso”. El hombre blanco, de buen aspecto, muchas mujeres, voz suave, trompetista deslumbrante, músico del espacio y del momento, no dejó a nadie indiferente. Sus apariciones eran esquivas, su verdad también, sabías que te engañaba pero lo dejabas. Era un genio. Aunque sonara mal, seguía en pie en el escenario, cada nota o frase nunca fue igual a su anterior.


Este documental del fotógrafo Bruce Weber no busca la verdad si no las verdades de Chet Baker. Su mundo e inframundo, sus leyes y su caos emocional. Un tipo amable, que no deslumbraba por su forma de ser, sino por una sola palabra: jazz. Chet era el jazz. La gente lo amaba por el jazz. Tuvo todo, fue estrella de cine, un don Juan dueño de una fotogenia indiferente y propietario de una de las voces más suaves y melancólicas entre quienes cultivaron el bebop. Su talento no parecía venir de él, como genio aspiraba a la autodestrucción de su soma. Era un yonqui, después de todo, como muchos otros jazzistas. Los fotogramas de esta película huelen a un héroe que no se molesta en serlo, lo elevan a cúspides que son el sueño de los jazzistas norteamericanos, ser música en si mismo. Chet no se molesta en la intimidad, ni cenando con jóvenes o chocando en autos de parque de diversiones. Su música y su trompeta parecen ser la excusa de perfecta de su vida, la excusa perfecta de ser un hombre viejo que no tiene nociones de su alma, que sobrevive más bien de la leyenda y la mística.


Amante de los lujos y de innumerables aventuras, fue bien amado por sus esposas y sus hijos. Nadie pudo saber todo sobre él. Nunca repitió algo dos veces. La historia de Chet se escurre como las notas de su música, dejando sin sabores y misterio. A veces pareciera ver al mismo hombre en muchos otros, como si Chet Baker fuera el molde de muchos que ya existieron y otros que comienzan o intentan ser. La cámara no se molesta encontrarlo viejo, es leve la diferencia de su imagen de joven. El arte destruye la edad en las personas. El documental se despide y vuelve a empezar. La búsqueda no ha terminando, y la voz sigue sonando en las grabaciones o las elucubraciones del jazz moderno.



Una muestra del talento de Chet Baker:

http://www.youtube.com/watch?v=nchEXBimNlg&feature=related

Mr. Fantomas

You are one ugly motherfucker!

Hoy vi depredador en el cine ("predators", para los anglo parlantes).




Debo decir que este trailer me dejo todo mucha mas claro que la película misma. Me pareció tan, pero tan mala, que no se por donde empezar.
Bueno creo que debo partir por compartir la razón por la cual la fui a ver, hay que reconocerlo, en realidad no se ve ni tan buena, pero yo soy fiel fan de los monstruos rastafaris con multibocas y cada vez que sale una película de ellos la voy a ver. Por muy mala que sea...

En esta entrada y en las que siguen, he decidido mantenerlas cortas y concisas con respecto a lo que quiero decir, para así escribir algo mas legible y no un testamento. Por lo que la haré corta.

Encontré mala la película por tres factores claves: racismo, guion y música. De partida los personajes eran estereotipos marcados de personas de distintas etnias (SPOILER ALERT), de los cuales solo sobreviven los que no son: ni negros, ni latinos, ni asiáticos.
El guion deja cabos sueltos a diestra y siniestra. Recalco lo que dijo en un principio que el trailer me quedo mucho mas claro, porque gracias a esas letras entremedio uno puede entender mejor la historia. En la película uno no entiende nada, a excepción de algunas partes donde el dialogo es extenso y poco natural.



Finalmente la música me sacaba de onda a cada rato, porque tenia un arpa después de cada momento de tensión, y si leyó bien señor lector; un arpa!. En que mundo un arpa va con los depredadores!
En fin, no la recomiendo para nada, ni si quiera para sacarse el empacho, fue así como mi mama perdió 3100 pesos(ella me compro la entrada). Mejor esperen a que salga en dvd, ahí derrepente no es tan terrible.

Saludos
Miss cats

Disculpas

Disculpas por la falta de entradas
Muchas Gracias a Juan Pablo por escribir las anteriores
Pronto se vendrán más

Miss Cats

La guerra del Fuego

La guerra del Fuego
(La guerre du feu)

Director: Jean-Jacques Annaud
País: Canadá
Año: 1981


Es un gran logro y una muestra de total valentía hacer un film sin diálogos, que además tenga dos horas de duración y que nos acerque a los hombres que habitaron nuestras tierras hace millones de años. La búsqueda del fuego y la luz son la esencia que mueve la narrativa de esta historia. Algo tan primordial como la luz se transforma en una de las premisas de este relato; sus protagonistas, el director e incluso los propios espectadores tenemos como motor en este film el fuego, sin el no veríamos, así de sencillo. Es el fuego que en muchos casos “pinta” los fotogramas que conforman la película. La búsqueda principal del film se convierte en una tarea conjunta.
Retomaremos nuevamente el tema de los diálogos. El hombre primordial, los homínidos, no poseían un lenguaje establecido, menos un alfabeto de escritura, sistema que fue creado mucho tiempo más adelante por los fenicios. Por lo tanto fue un acierto y de una concordancia notable dejar este film al desarrollo de las acciones de los personajes combatiendo con su entorno. La esencia del ser humano no posee un lenguaje, nacemos sin este. El cine en su estado puro también puede prescindir del habla.


Otros puntos fuertes que realzan esta historia son el maquillaje y la dirección de arte. La caracterización de los personajes está muy bien determinada. Siendo los protagonistas marcados por una neutralidad, en su pelaje y estatura. Sus enemigos cambian totalmente a hombres menos evolucionados, con más pelaje, cercanos a los primates. La protagonista mujer, por su parte, esta pintada completamente otorgándole una personalidad tribal y mágica, ligada a los ritos y los dioses. Su maquillaje nos recuerda al que usaban los guerreros pictos, antigua tribu de Escocia, en los tiempos del imperio romano. El trabajo de maquillaje hizo merecedor de un Oscar a este film. Los ambientes filmados, Canadá, Escocia e Islandia escapan muchas veces a lo que es nuestra actual forma de percibir la naturaleza. Pantanos inhóspitos, oscuras cavernas y la niebla son solo derrotadas por alguna llama que lo hombres rescatan.
A continuación profundizaremos en el tratamiento de cámara, lumínico y la partitura que contiene esta película. Estos son los elementos que echan a rodar un relato que logra zafarse de la palabra hablada como ningún otro. Incluso el cine mudo debió valerse de intertítulos escritos para conectar sus relatos.



La cámara adquiere una predilección por los planos generales y fijos. Estos son sintéticos con la información del cuadro y aclaran muy bien las acciones, mostrándolas en su plenitud. Que sean fijos también nos ayuda a familiarizarnos con el entorno y su atmósfera. En el aspecto dramático estos planos tienen la misión de disminuir a los hombres primitivos ante la supremacía de su adverso ambiente. Por ejemplo, la seguidilla de planos en que se muestra a los tres viajeros arriba de un árbol, protegiéndose de dos hambrientos tigres diente de sable. Este plano es significativo en el aspecto de fusionar al hombre con la vegetación, mimetizarse es parte de la esencia de la naturaleza. A la vez los transforma en alimento de sus felinos cazadores, es decir reafirma que no son más que organismos. El plano general de los mamuts sobre la montaña denota majestuosidad y un gran obstáculo para los hombres. Pero más adelante el acercamiento del hombre al animal, ascendiendo la montaña, significará el primer paso hacia la domesticación, donde la cámara va reduciendo el tamaño de sus encuadres poco a poco.



Calculados zoom desde gran plano general hasta plano general de los tres viajeros del fuego nos reafirman que la conquista del entorno ha dado experiencia y sabiduría a sus personas. Ellos continúan siendo lo más importante dentro del inhóspito viaje. En los planos cerrados la luz ayuda a caracterizar a los personajes, aquí la interacción con el fuego es interesante. Desde que se muestra a uno de los individuos arrancar de una caverna con la fuente de fuego, hasta llegar a los primeros planos de un pantano, en el cual un primitivo intenta avivar el fuego de una última brasa. Tras fracasar la cámara explora en los demás hombres, que comienzan a congelarse con el frio extremo que los ataca. Aquí los primeros planos logran crear tres niveles dramáticos en esta secuencia.
En conclusión podemos decir que la cámara narradora de esta historia es omnisciente, que puede describir acciones y ambientes con grandilocuencia y que algunas veces explora en las emociones de los personajes con planos de menor tamaño. Es decir la cámara va desde lo general a lo particular. Tampoco se vale de planos tan expresivos, como el uso de picados, contrapicados o posicionar dentro de diagonales el cuadro. Su trabajo se aboca a la narrativa con simpleza.



Mr Fantomas

Where the wild things are

Where the wild things are (donde viven los monstruos)2009

Director: Spike Jones

Trailer -->

No se muy bien por donde empezar para comentar esta película. Me embargan tantas emociones que me siento abrumada, pero en el mejor de los sentidos. Hace mucho tiempo no me pasaba que una película me emocionaba de solo acordarme de ella y esta lo logra. Me dejo una huella como muy pocas cintas lo han echo, de una forma única.





Es una maestría como Spike Jones logra transformar un libro para niños en una película para grandes (igual la puede ver un niño, solo que es mucho mas que eso). Como decían por ahí, no es una película infantil, es una película sobre la infancia y es tan cierto que no deja indiferente a nadie que la vea. Todos fuimos niños y en algún momento tuvimos miedo, nos reímos, hicimos tonteras, dijimos cosas absurdas y teníamos una imaginación tan grande como el universo mismo, pero no teníamos la madurez para resolver nuestros problemas, ni los de otros. A veces nos sentíamos solos y frustrados, manifestábamos nuestras emociones de maneras naturales, orgánicas, como las sentíamos; si teníamos pena llorábamos, si teníamos rabia hacíamos pataletas, si algo nos daba risa nos reíamos, sin restricciones, sin censuras (disculpen tanto el plural).


En esta película se muestran a los niños de forma respetable, sin mirarlos en menos, sin restarles importancia. Si, el personaje es alucinado y a veces absurdo, pero es un niño y uno muy valiente. Sabe lo que pasa a su alrededor, pero no lo entiende o no sabe como resolverlo, porque es solo un niño. Es difícil tratar de volver a pensar así, uno se sorprende por las decisiones que toma Max, pero dentro de una lógica infantil, no tiene nada tan loco. ¿Que hubieran dicho si se encuentran con unos monstruos que te quieren comer?, ¿Como resolverías los problemas para que todos fueran felices?, porque las ganas de arreglar todo no faltan, pero como?... Es un pensamiento utópico pero no por eso menos genuino, en el fondo es la búsqueda de la felicidad, la cual no se basa solo en uno mismo si no que gran parte por las personas que te rodean. Familia.




Podría seguir mucho rato hablando sobre esta película , pero lo mejor que puedo decir es: véanla.

Detenganme si hablo tonteras Cats

As tears go by

As Tears go By (1988)
Director: Wong Kar Wai
País: China

No me explico la forma en que este realizador une la violencia, drama y romance envueltos en un humo de soledad de protagonistas condenados a un sino trágico. Quizá lo logre con el montaje: los viajes relámpagos de Hau- Tau, las carreras que debe enfrentar su hermano Fly, la ausencia tácita de la prima Ngor; los personajes que arrancan de cada cuadro y a la vez vuelven nuevamente, a enfrentar sus egos y luchar por lo poco que creen merecer. Esta capa de humo será quizás la poderosa fotografía de Christopher Doyle, fiel acompañante de las aventuras de Wong. Los colores, la gamma de grises y azules que se destruyen con los verdes, rojos y celestes de los personajes, los hace cobrar vida, los viste. La luz que los baña los ayuda, muchas veces, a decir lo que no pueden con palabras o agrediendo a sus miedos.


El montaje ataca nuevamente, creando cámaras lentas en momentos q ue se transforman en gloriosos, como el asesinato de un gánster, la unión de dos amantes en una cabina telefónica, el poder de las peleas. Acostumbramos a ver peleas o violencia en un kilometraje raudo, Wong Kar Wai postula lo contrario, las cámaras exploran hasta el último esfuerzo y detalle. Aparece súbitamente un pensamiento, las voces en off, la música que cubre los pecados o justifica la naturaleza asesina que tenemos oculta (Fallen Angels, 1995). Las imágenes siguen oscilando entre la ciudad, los escondites de las triadas (equivalentes a las pandillas yakuzas en Japón), y los encuentros teléfonicos. Todo este universo termina por dividir trágicamente al personaje de Andy Lau, entre encontrarse con el amor de su prima Ngor o rescatar al demente de su hermano Fly. Muchas veces es más fuerte la promesa que hizo a su madre, de cuidar a su hermano pequeño, pero hablar de esto sería adelantar un paso importante, las decisiones en la vida mutan en muchos ángulos y direcciones, como la forma en que Wong busca retratar con caóticas cámaras a sus personajes.


La música de un tocadisco comienza, suena Take my Breath Away, tema original de Berlín, pero transcrita al idioma chino: este juego me hizo pensar en dos asuntos. El poder del sonido extradiegético:” que nos cuenta una historia, con música en multi-idioma unida a la fotografía de dos amantes, entre primeros planos, detalles de teléfonos, finalmente un encuentro en la bahía, para terminar en un poderoso momento de cámara lenta”. Se genera casi un musical dentro de la historia, un relato aparte. Creo que el director supo expresar muy bien la fuerza que había entre los dos protagonistas: música.
Mi segunda opinión se enfoca a la obra en general de Wong Kar Wai, en su utilización de la música en sus películas. Es un verdadero misterio. Es un privilegio escuchar la universalidad de la música (incluso con letras en diferentes idiomas) que se sumerge en los fraseos o los pesares de las vidas que monta Wong Kar Wai. Les invito a revisar el resto de su obra: In the Mood for Love, Chungking Express, Days of Being Wild entre otras, en donde vemos un claro ejemplo de un visionario que busca los sonidos en el resto del mundo para canalizar las energías de sus películas.


Mr. Fantomas

Nine

Nine(2009)
Director: Rob Marshall

¿Que hicieron con Daniel Day Lewis?

Debo decir que me gustan varios musicales : Moulin Rouge, Across the universe, Cats, pero esto me saturo. Me force a verla porque dije :¿como no van a hacer algo bueno con el reparto que tienen?. Marion Cotillard, Kate Hudson, Penelope Cruz, Judy Dench, Daniel Day Lewis, Nicole Kidman y SOPHIA LOREN!!!...y fue una absoluta tortura, excepto por unos detalles contados con los dedos de una mano.
Daniel Day Lewis (a mi parecer), no tiene como actuar mal, siempre entrega el personaje que le confían, de echo, he leído que durante los rodajes prácticamente pierde su identidad siendo totalmente poseído por la personalidad ficticia que le dan, a modo de método.Pero porque lo hacen cantar con acento italiano?, porque lo hacen cantar del todo, por lo menos la interpretación es emocionalmente ideal, pero todo lo demás...


Sobre el resto del casting pienso que la apuesta segura en el musical es Nicole Kidman, la cual cumple con el papel. Marion Cotillard, interpretando el único personaje que realmente siente (ademas canta muy bien),Fergie que es una especie de hallazgo o quizás su papel estaba particularmente bien echo, pero hasta aqui llega mi conteo de cosas que se destacan dentro de la película. Todo lo demás me defraudo.

Kate Hudson puede cantar, pero su actuación es pobre en comparación con su presentación en el escenario. Julie Dench siendo la gran actriz que es, tiene las únicos diálogos interesantes de la película y a pesar de que tiene una muy buena voz, la intentan pintar como una especie de madam en su numero musical, lo que me cuesta imaginar. Penelope Cruz canta la canción mas atonal que pueda existir, pero si se sabe mover,lamentablemente su actuación dejo mucho que desear dentro del papel que le correspondía.

Y Sophia Loren.... si Sophia Loren acepta trabajar en la película, por favor denle un papel que valga la pena!. Realmente parece que la tienen ahí solo por el lujo de tenerla. (debo confesar que me sorprendió un poco verla cantar y moverse así a sus 74 años).



Ni siquiera es que la historia sea mala, solo que quizás las canciones estaban mal puestas o mal compuestas. Ciertamente el reparto es pura fama, a pesar de que gran parte de el es sumamente talentoso, pero ahí se queda; corto.

Tiene una gran fotografía, unos hermosos trajes, bellos rostros, unas locaciones clásicas, pero la música, uno de los elementos mas importantes (ya que es un musical), para mi, se cae soberanamente.

Disculpen la verborrea de criticas, pero....me indigne. No la recomiendo, a menos de que estén haciendo una especie de tratamiento ludovico .

Detenganme si hablo chorradas, a menos de que este hablando de Nine... je,Cats