Let´s Get Lost

Let’s Get Lost
Director: Bruce Weber
País: Estados Unidos
Año: 1988
Charlie Parker llamó en forma urgente a Dizzie y a Miles después de escuchar a Chet Baker: “Este blanco es peligroso”. El hombre blanco, de buen aspecto, muchas mujeres, voz suave, trompetista deslumbrante, músico del espacio y del momento, no dejó a nadie indiferente. Sus apariciones eran esquivas, su verdad también, sabías que te engañaba pero lo dejabas. Era un genio. Aunque sonara mal, seguía en pie en el escenario, cada nota o frase nunca fue igual a su anterior.


Este documental del fotógrafo Bruce Weber no busca la verdad si no las verdades de Chet Baker. Su mundo e inframundo, sus leyes y su caos emocional. Un tipo amable, que no deslumbraba por su forma de ser, sino por una sola palabra: jazz. Chet era el jazz. La gente lo amaba por el jazz. Tuvo todo, fue estrella de cine, un don Juan dueño de una fotogenia indiferente y propietario de una de las voces más suaves y melancólicas entre quienes cultivaron el bebop. Su talento no parecía venir de él, como genio aspiraba a la autodestrucción de su soma. Era un yonqui, después de todo, como muchos otros jazzistas. Los fotogramas de esta película huelen a un héroe que no se molesta en serlo, lo elevan a cúspides que son el sueño de los jazzistas norteamericanos, ser música en si mismo. Chet no se molesta en la intimidad, ni cenando con jóvenes o chocando en autos de parque de diversiones. Su música y su trompeta parecen ser la excusa de perfecta de su vida, la excusa perfecta de ser un hombre viejo que no tiene nociones de su alma, que sobrevive más bien de la leyenda y la mística.


Amante de los lujos y de innumerables aventuras, fue bien amado por sus esposas y sus hijos. Nadie pudo saber todo sobre él. Nunca repitió algo dos veces. La historia de Chet se escurre como las notas de su música, dejando sin sabores y misterio. A veces pareciera ver al mismo hombre en muchos otros, como si Chet Baker fuera el molde de muchos que ya existieron y otros que comienzan o intentan ser. La cámara no se molesta encontrarlo viejo, es leve la diferencia de su imagen de joven. El arte destruye la edad en las personas. El documental se despide y vuelve a empezar. La búsqueda no ha terminando, y la voz sigue sonando en las grabaciones o las elucubraciones del jazz moderno.



Una muestra del talento de Chet Baker:

http://www.youtube.com/watch?v=nchEXBimNlg&feature=related

Mr. Fantomas

You are one ugly motherfucker!

Hoy vi depredador en el cine ("predators", para los anglo parlantes).




Debo decir que este trailer me dejo todo mucha mas claro que la película misma. Me pareció tan, pero tan mala, que no se por donde empezar.
Bueno creo que debo partir por compartir la razón por la cual la fui a ver, hay que reconocerlo, en realidad no se ve ni tan buena, pero yo soy fiel fan de los monstruos rastafaris con multibocas y cada vez que sale una película de ellos la voy a ver. Por muy mala que sea...

En esta entrada y en las que siguen, he decidido mantenerlas cortas y concisas con respecto a lo que quiero decir, para así escribir algo mas legible y no un testamento. Por lo que la haré corta.

Encontré mala la película por tres factores claves: racismo, guion y música. De partida los personajes eran estereotipos marcados de personas de distintas etnias (SPOILER ALERT), de los cuales solo sobreviven los que no son: ni negros, ni latinos, ni asiáticos.
El guion deja cabos sueltos a diestra y siniestra. Recalco lo que dijo en un principio que el trailer me quedo mucho mas claro, porque gracias a esas letras entremedio uno puede entender mejor la historia. En la película uno no entiende nada, a excepción de algunas partes donde el dialogo es extenso y poco natural.



Finalmente la música me sacaba de onda a cada rato, porque tenia un arpa después de cada momento de tensión, y si leyó bien señor lector; un arpa!. En que mundo un arpa va con los depredadores!
En fin, no la recomiendo para nada, ni si quiera para sacarse el empacho, fue así como mi mama perdió 3100 pesos(ella me compro la entrada). Mejor esperen a que salga en dvd, ahí derrepente no es tan terrible.

Saludos
Miss cats

Disculpas

Disculpas por la falta de entradas
Muchas Gracias a Juan Pablo por escribir las anteriores
Pronto se vendrán más

Miss Cats

La guerra del Fuego

La guerra del Fuego
(La guerre du feu)

Director: Jean-Jacques Annaud
País: Canadá
Año: 1981


Es un gran logro y una muestra de total valentía hacer un film sin diálogos, que además tenga dos horas de duración y que nos acerque a los hombres que habitaron nuestras tierras hace millones de años. La búsqueda del fuego y la luz son la esencia que mueve la narrativa de esta historia. Algo tan primordial como la luz se transforma en una de las premisas de este relato; sus protagonistas, el director e incluso los propios espectadores tenemos como motor en este film el fuego, sin el no veríamos, así de sencillo. Es el fuego que en muchos casos “pinta” los fotogramas que conforman la película. La búsqueda principal del film se convierte en una tarea conjunta.
Retomaremos nuevamente el tema de los diálogos. El hombre primordial, los homínidos, no poseían un lenguaje establecido, menos un alfabeto de escritura, sistema que fue creado mucho tiempo más adelante por los fenicios. Por lo tanto fue un acierto y de una concordancia notable dejar este film al desarrollo de las acciones de los personajes combatiendo con su entorno. La esencia del ser humano no posee un lenguaje, nacemos sin este. El cine en su estado puro también puede prescindir del habla.


Otros puntos fuertes que realzan esta historia son el maquillaje y la dirección de arte. La caracterización de los personajes está muy bien determinada. Siendo los protagonistas marcados por una neutralidad, en su pelaje y estatura. Sus enemigos cambian totalmente a hombres menos evolucionados, con más pelaje, cercanos a los primates. La protagonista mujer, por su parte, esta pintada completamente otorgándole una personalidad tribal y mágica, ligada a los ritos y los dioses. Su maquillaje nos recuerda al que usaban los guerreros pictos, antigua tribu de Escocia, en los tiempos del imperio romano. El trabajo de maquillaje hizo merecedor de un Oscar a este film. Los ambientes filmados, Canadá, Escocia e Islandia escapan muchas veces a lo que es nuestra actual forma de percibir la naturaleza. Pantanos inhóspitos, oscuras cavernas y la niebla son solo derrotadas por alguna llama que lo hombres rescatan.
A continuación profundizaremos en el tratamiento de cámara, lumínico y la partitura que contiene esta película. Estos son los elementos que echan a rodar un relato que logra zafarse de la palabra hablada como ningún otro. Incluso el cine mudo debió valerse de intertítulos escritos para conectar sus relatos.



La cámara adquiere una predilección por los planos generales y fijos. Estos son sintéticos con la información del cuadro y aclaran muy bien las acciones, mostrándolas en su plenitud. Que sean fijos también nos ayuda a familiarizarnos con el entorno y su atmósfera. En el aspecto dramático estos planos tienen la misión de disminuir a los hombres primitivos ante la supremacía de su adverso ambiente. Por ejemplo, la seguidilla de planos en que se muestra a los tres viajeros arriba de un árbol, protegiéndose de dos hambrientos tigres diente de sable. Este plano es significativo en el aspecto de fusionar al hombre con la vegetación, mimetizarse es parte de la esencia de la naturaleza. A la vez los transforma en alimento de sus felinos cazadores, es decir reafirma que no son más que organismos. El plano general de los mamuts sobre la montaña denota majestuosidad y un gran obstáculo para los hombres. Pero más adelante el acercamiento del hombre al animal, ascendiendo la montaña, significará el primer paso hacia la domesticación, donde la cámara va reduciendo el tamaño de sus encuadres poco a poco.



Calculados zoom desde gran plano general hasta plano general de los tres viajeros del fuego nos reafirman que la conquista del entorno ha dado experiencia y sabiduría a sus personas. Ellos continúan siendo lo más importante dentro del inhóspito viaje. En los planos cerrados la luz ayuda a caracterizar a los personajes, aquí la interacción con el fuego es interesante. Desde que se muestra a uno de los individuos arrancar de una caverna con la fuente de fuego, hasta llegar a los primeros planos de un pantano, en el cual un primitivo intenta avivar el fuego de una última brasa. Tras fracasar la cámara explora en los demás hombres, que comienzan a congelarse con el frio extremo que los ataca. Aquí los primeros planos logran crear tres niveles dramáticos en esta secuencia.
En conclusión podemos decir que la cámara narradora de esta historia es omnisciente, que puede describir acciones y ambientes con grandilocuencia y que algunas veces explora en las emociones de los personajes con planos de menor tamaño. Es decir la cámara va desde lo general a lo particular. Tampoco se vale de planos tan expresivos, como el uso de picados, contrapicados o posicionar dentro de diagonales el cuadro. Su trabajo se aboca a la narrativa con simpleza.



Mr Fantomas

Where the wild things are

Where the wild things are (donde viven los monstruos)2009

Director: Spike Jones

Trailer -->

No se muy bien por donde empezar para comentar esta película. Me embargan tantas emociones que me siento abrumada, pero en el mejor de los sentidos. Hace mucho tiempo no me pasaba que una película me emocionaba de solo acordarme de ella y esta lo logra. Me dejo una huella como muy pocas cintas lo han echo, de una forma única.





Es una maestría como Spike Jones logra transformar un libro para niños en una película para grandes (igual la puede ver un niño, solo que es mucho mas que eso). Como decían por ahí, no es una película infantil, es una película sobre la infancia y es tan cierto que no deja indiferente a nadie que la vea. Todos fuimos niños y en algún momento tuvimos miedo, nos reímos, hicimos tonteras, dijimos cosas absurdas y teníamos una imaginación tan grande como el universo mismo, pero no teníamos la madurez para resolver nuestros problemas, ni los de otros. A veces nos sentíamos solos y frustrados, manifestábamos nuestras emociones de maneras naturales, orgánicas, como las sentíamos; si teníamos pena llorábamos, si teníamos rabia hacíamos pataletas, si algo nos daba risa nos reíamos, sin restricciones, sin censuras (disculpen tanto el plural).


En esta película se muestran a los niños de forma respetable, sin mirarlos en menos, sin restarles importancia. Si, el personaje es alucinado y a veces absurdo, pero es un niño y uno muy valiente. Sabe lo que pasa a su alrededor, pero no lo entiende o no sabe como resolverlo, porque es solo un niño. Es difícil tratar de volver a pensar así, uno se sorprende por las decisiones que toma Max, pero dentro de una lógica infantil, no tiene nada tan loco. ¿Que hubieran dicho si se encuentran con unos monstruos que te quieren comer?, ¿Como resolverías los problemas para que todos fueran felices?, porque las ganas de arreglar todo no faltan, pero como?... Es un pensamiento utópico pero no por eso menos genuino, en el fondo es la búsqueda de la felicidad, la cual no se basa solo en uno mismo si no que gran parte por las personas que te rodean. Familia.




Podría seguir mucho rato hablando sobre esta película , pero lo mejor que puedo decir es: véanla.

Detenganme si hablo tonteras Cats

As tears go by

As Tears go By (1988)
Director: Wong Kar Wai
País: China

No me explico la forma en que este realizador une la violencia, drama y romance envueltos en un humo de soledad de protagonistas condenados a un sino trágico. Quizá lo logre con el montaje: los viajes relámpagos de Hau- Tau, las carreras que debe enfrentar su hermano Fly, la ausencia tácita de la prima Ngor; los personajes que arrancan de cada cuadro y a la vez vuelven nuevamente, a enfrentar sus egos y luchar por lo poco que creen merecer. Esta capa de humo será quizás la poderosa fotografía de Christopher Doyle, fiel acompañante de las aventuras de Wong. Los colores, la gamma de grises y azules que se destruyen con los verdes, rojos y celestes de los personajes, los hace cobrar vida, los viste. La luz que los baña los ayuda, muchas veces, a decir lo que no pueden con palabras o agrediendo a sus miedos.


El montaje ataca nuevamente, creando cámaras lentas en momentos q ue se transforman en gloriosos, como el asesinato de un gánster, la unión de dos amantes en una cabina telefónica, el poder de las peleas. Acostumbramos a ver peleas o violencia en un kilometraje raudo, Wong Kar Wai postula lo contrario, las cámaras exploran hasta el último esfuerzo y detalle. Aparece súbitamente un pensamiento, las voces en off, la música que cubre los pecados o justifica la naturaleza asesina que tenemos oculta (Fallen Angels, 1995). Las imágenes siguen oscilando entre la ciudad, los escondites de las triadas (equivalentes a las pandillas yakuzas en Japón), y los encuentros teléfonicos. Todo este universo termina por dividir trágicamente al personaje de Andy Lau, entre encontrarse con el amor de su prima Ngor o rescatar al demente de su hermano Fly. Muchas veces es más fuerte la promesa que hizo a su madre, de cuidar a su hermano pequeño, pero hablar de esto sería adelantar un paso importante, las decisiones en la vida mutan en muchos ángulos y direcciones, como la forma en que Wong busca retratar con caóticas cámaras a sus personajes.


La música de un tocadisco comienza, suena Take my Breath Away, tema original de Berlín, pero transcrita al idioma chino: este juego me hizo pensar en dos asuntos. El poder del sonido extradiegético:” que nos cuenta una historia, con música en multi-idioma unida a la fotografía de dos amantes, entre primeros planos, detalles de teléfonos, finalmente un encuentro en la bahía, para terminar en un poderoso momento de cámara lenta”. Se genera casi un musical dentro de la historia, un relato aparte. Creo que el director supo expresar muy bien la fuerza que había entre los dos protagonistas: música.
Mi segunda opinión se enfoca a la obra en general de Wong Kar Wai, en su utilización de la música en sus películas. Es un verdadero misterio. Es un privilegio escuchar la universalidad de la música (incluso con letras en diferentes idiomas) que se sumerge en los fraseos o los pesares de las vidas que monta Wong Kar Wai. Les invito a revisar el resto de su obra: In the Mood for Love, Chungking Express, Days of Being Wild entre otras, en donde vemos un claro ejemplo de un visionario que busca los sonidos en el resto del mundo para canalizar las energías de sus películas.


Mr. Fantomas

Nine

Nine(2009)
Director: Rob Marshall

¿Que hicieron con Daniel Day Lewis?

Debo decir que me gustan varios musicales : Moulin Rouge, Across the universe, Cats, pero esto me saturo. Me force a verla porque dije :¿como no van a hacer algo bueno con el reparto que tienen?. Marion Cotillard, Kate Hudson, Penelope Cruz, Judy Dench, Daniel Day Lewis, Nicole Kidman y SOPHIA LOREN!!!...y fue una absoluta tortura, excepto por unos detalles contados con los dedos de una mano.
Daniel Day Lewis (a mi parecer), no tiene como actuar mal, siempre entrega el personaje que le confían, de echo, he leído que durante los rodajes prácticamente pierde su identidad siendo totalmente poseído por la personalidad ficticia que le dan, a modo de método.Pero porque lo hacen cantar con acento italiano?, porque lo hacen cantar del todo, por lo menos la interpretación es emocionalmente ideal, pero todo lo demás...


Sobre el resto del casting pienso que la apuesta segura en el musical es Nicole Kidman, la cual cumple con el papel. Marion Cotillard, interpretando el único personaje que realmente siente (ademas canta muy bien),Fergie que es una especie de hallazgo o quizás su papel estaba particularmente bien echo, pero hasta aqui llega mi conteo de cosas que se destacan dentro de la película. Todo lo demás me defraudo.

Kate Hudson puede cantar, pero su actuación es pobre en comparación con su presentación en el escenario. Julie Dench siendo la gran actriz que es, tiene las únicos diálogos interesantes de la película y a pesar de que tiene una muy buena voz, la intentan pintar como una especie de madam en su numero musical, lo que me cuesta imaginar. Penelope Cruz canta la canción mas atonal que pueda existir, pero si se sabe mover,lamentablemente su actuación dejo mucho que desear dentro del papel que le correspondía.

Y Sophia Loren.... si Sophia Loren acepta trabajar en la película, por favor denle un papel que valga la pena!. Realmente parece que la tienen ahí solo por el lujo de tenerla. (debo confesar que me sorprendió un poco verla cantar y moverse así a sus 74 años).



Ni siquiera es que la historia sea mala, solo que quizás las canciones estaban mal puestas o mal compuestas. Ciertamente el reparto es pura fama, a pesar de que gran parte de el es sumamente talentoso, pero ahí se queda; corto.

Tiene una gran fotografía, unos hermosos trajes, bellos rostros, unas locaciones clásicas, pero la música, uno de los elementos mas importantes (ya que es un musical), para mi, se cae soberanamente.

Disculpen la verborrea de criticas, pero....me indigne. No la recomiendo, a menos de que estén haciendo una especie de tratamiento ludovico .

Detenganme si hablo chorradas, a menos de que este hablando de Nine... je,Cats

Syndromes and a Century

Syndromes and a Century (2006)
Director: Apichatpong Weerasethakul

“El Recordar o crear un pasado”

Esta premisa surge desde la sinopsis de la película, comparándose con el término de su visionado. Está comparación se destruirá con el tiempo de estas palabras o tal vez se olviden.
La naturaleza de observación, la búsqueda de espacios infinitos son contenidas en una cámara omnipresente, casi mágica. Una pulcra fotografía no se apreciara si no se compenetra con la historia, en este caso lo hace en un porcentaje muy alto, por lo es que se podría decir que la fotografía muchas veces toma las riendas del relato silenciosamente.



Al igual que en su film anterior, Tropical Malady (2004), Weerasethakul biseca en dos la película. No obstante la segunda mitad reescribe o deconstruye la primera.
Esta primera parte es cálida, naturalista, de amores y amistades. La segunda niega a la primera, pero mantiene la imperfección de no resolver los conflictos de sus personajes, mas bien los deja libres a su cotidianidad. Haré un apartado en este párrafo: podrá parecer banal pero, a cuantas personas que vamos conociendo en nuestras vidas recordamos para siempre y a cuantas dejamos de hablar y saludar aunque nos topemos frente a frente, desechos son de nuestra propia raza.
Mitos, infusiones mágicas, leyendas, sueños, medicina; directrices de esta historia, parecen buscar, apuntar hacia la sanación, la redención biológica de un mal psicológico, emotivo. El síndrome del ruido de la ciudad, los edificios, el monóxido (el cual aqueja a un joven paciente).


Entre los padecimientos desfilan cantantes, guitarristas, clases de aeróbica masivas, monjes, veteranas doctoras que degustan del licor. No queda más que enumerar los elementos que se yuxtaponen entre las dos historias, unidas por un eclipse, un fenómeno que nos recuerda está misteriosa tubería que traga los fluidos de una habitación.
Las memorias de sus padres retrato con grandilocuencia y una fotografía casi perfecta este hijo, hijo del cine, hijo del postmodernismo. Sin embargo, a diferencia de Lynch, no hay misterio extremo o confusión en la fusión de las historias, se suceden tranquilas, dialogan, se despiden en la hermandad de la naturaleza y los verdes imperantes.



Mr Fantomas
Díganme si hablo chorradas, como sugiere Cats.

Sobre cine Oriental

Oriente = patadas, kung fu, samuráis, chambara, yakuzas y últimamente; freakeadas, terror (gore) algo de futbol, etc., etc.

Todo el apelativo de oriente, en muchas ocasiones, se reduce a otakus y Japón ¿será que la economía mayoritariamente superior de esta nación disminuye a sus vecinos? A esta simplificación se une el hecho de nuestra raquítica cartelera nacional, entonces ¿Dónde buscar? ¿Dónde encontrarse con la esencia de los que viven en el otro eje de nuestro planeta; en el otro eje de nuestro propio ser y consciencias?

Desde los sesentas han surgido realizadores que han buscado la moral y los valores primordiales dentro de la épica, como lo fue el poeta de la imagen Akira Kurosawa.


Por su parte, Yazujiro Ozu, nos entregó la calidez de la familia tradicional japonesa, siempre a través de planos fijos, emulando una naturaleza muerta ante nuestros ojos.


La segunda oleada, setentas y ochentas, incluyó a Zhang Yimou, realizador chino, que se internó en los pueblos más recónditos de su país imperado por el régimen comunista. El Camino a Casa (1999) y Ni uno menos (1998) se deslizan como nobles fábulas sobre los celuloides que el director ha filmado. Ang Lee, en Taiwán, buscó los conflictos afectivos en sus personajes, que se escondían de la sociedad regente, independiente del dogma que las envolviese (Lust, Caution; 2007). Nagisa Oshima, en la nueva ola de Japón, intervino en los rituales retratados por el flemático Ozu, pero encontrando perversión y los deseos ocultos de sus personajes.
Hoy en día no podemos hablar de una tercera nueva ola, sino una horda, silenciosa horda de fotogramas provenientes de los lugares más recónditos e impensados, donde el cine nace como una plegaria, un álbum familiar o un quejido moribundo de realidades que desaparecen en su propia tradición.
Takashi Miike, Takeshi Kitano, Kiyoshi Kurosawa, Katsuhito Ishii, Naomi Kawase, Shinya Tsukamoto, Hideo Nakata, en Japón; Zhang Yimou, Chen Kaige, Fruit Chan, Wong Kar Wai, Jia Chang ke, en China; Tsai Ming Liang, Edward Yang, Hou Hsiao Hsien, enTaiwán; Kim Ki Duk, Par Chan Wok, en Corea; Tran Anh Hung, Toni Bui, en Vietnam; Pen-ek Ratanaruang, Apichatpong Weerasethakul, en Tailandia; e incluso James Lee, Malasia. Estos no son más que ínfimos nombres entre lo que destacan de sus idiosincrasias y sus propias creaciones.
Poco a poco viajaremos en cada una de estas piezas, que representan, quizás, el lado oscuro del propio ser; otro eje en nuestra existencia, biológica y demográfica. Allí, tal vez, yace el alma del ser que perdimos, la mirada que se incineró, la historia que soñamos y que nunca se nos contó. En el otro lado del mundo.

Juan Pablo Caro

Up in the Air

Up in the Air

Director: Jason Reitman

Acabo de ver Up in the air. Es la segunda vez que la pongo en el DVD, la primera no la termine de ver, debo decir que no me atrajo instantáneamente. Pero con un poco de paciencia al principio, todo comienzo a fluir y me hundí en la trama, tanto que la predije (sin intención alguna, diciendo lo mas loco que podría pasar) y bueno, paso lo que dije, pero no digo esto como algo malo, si no mas bien, que tiene un buen giro y un final genuino, sin forzar las cosas.

Jason Reitman es también el director de "Juno" y mientras la veía no pude evitar ir buscando elementos de la otra película en esta. Definitivamente están los personajes particularmente inteligentes, que piensan saber todo en la vida y al final su soberbia es derribada por la naturaleza humana.


Lo que si me llamo la atención fue la sobre exposición de las actuaciones en la película. Personalmente no soy una fan de George Clooney, no digo que sea mal actor, simplemente el actúa de ....el, lo cual en casi todos los papeles que hace no es malo. En este en particular tampoco, encaja perfectamente con el perfil del personaje con unos toques de vulnerabilidad que logra transmitir bastante mejor de lo que estamos acostumbrados a ver al señor Clooney. Ahora sobre las actuaciones femeninas, debo decir que son encantadoras cada una en su forma, pero de ahí a ser nominadas al Oscar, no se, en realidad no creo que sean tan extraordinarias como para competir con gente como Maggie Gyllenhaal. Pero bueno, este año gano Sandra Bullock como mejor actriz, así que ....digamos que después de eso esperaba cualquier cosa. (sin ofender a la gente que le guste Bullock, es mi opinión personal). En fin, creo que las tres actuaciones son suficientes y agradables dentro de la trama de la película.

Quizás para verla una mañana ociosa o una tarde vacía, no digamos que van a quedar maravillados por ella pero definitivamente no se aburrirán.

detenganme si hablo tonteras
Cats

The Lovely Bones (Desde mi cielo)

The Lovely Bones (Desde mi cielo)2009
Director:Peter Jackson

Desde que vi el trailer de esta película que quise ir a verla, definitivamente en el cine. ( http://www.youtube.com/watch?v=ikUWKi0W5_g )

Obviando los efectos especiales(logrados o no), la forma en la que la historia se desarrolla realmente me conmovió, no de una manera evidente si no mas bien en una forma poética y casi fascinante. Me agrado que no se tomara el tema tan cristianamente, sobre la muerte y el cielo. Nada es explicito, si no que es una utopía imaginaria que es absoluta al tener partes buenas y malas, dándole equilibrio a la película.


La atención se reparte entre el limbo en el que Susie (la protagonista de 14 años que es asesinada)esta y la vida de su familia después de la perdida, msotrandon las distintas formas de lidiar con ella, desde un punto de vista claramente fantástico pero irresistible.

Me intereso la forma en la que muestran, o mejor dicho no muestran la muerte de la niña. Como se da el tiempo para revelar la mente del asesino, de conocer su mundo y sus estrategias, no siendo una típica cinta de misterio policial, donde conocemos al criminal desde un punto de vista externo, aquí lo vemos de forma activa y omnisciente.
La película en general mezcla una serie de elementos fantásticos que atraen inminentemente (para aquellos que se dejan llevar), los géneros cinematográficos coquetean entre drama,misterio, fantástico, humor negro, entre otros, logrando entregar un producto que no deja cabos sueltos, que no tiene un final disney, si no uno mas realista y a pesar de que por un instante me sentí defraudada de el, a la larga fue mejor, porque era lo que tenia que pasar (exceptuando la parte donde vuelve a la tierra de verdad....eso fue como....ok...muchos marshmellows).

Nuevamente la recomiendo, por lo menos para los que les gusta la fantasía y disfrutan de una forma distinta de escuchar una historia trillada.

espero comentarios y contrapuntos
por favor, detenganme de nuevo si hablo puras chorradas.
Cats

Mary and Max

Mary and Max (2009)

Director: Adam Elliot

Esta película me la recomendó mi mejor amiga y le agradezco por eso, ciertamente encontró una joya de la narrativa moderna envuelta en una animación cuadro a cuadro particularmente cruda y real.

Dentro de todas las películas que ojeo diariamente, desde paginas online, hasta las que poseo yo, creo que nunca me hubiera dado vuelta dos veces a ver Mary and Max, no porque me diera mala espina, si no porque no llamaba realmente mi atención, como quizás a muchos les pasa al verla a primera vista. Me encantan las películas cuadro a cuadro, pero esta en particular no se veía de lo mas pulcra o llamativa como "El fantástico mr fox" de Wes Anderson, pero las apariencias engañan.

Me sentí un poco escéptica en el comienzo cuando pensé que era una clásica fabula para niños que se sienten un poco des adaptados, pero que sorpresa me lleve al darme cuenta que era una historia tan real como las teclas que estoy apretando. No trata de maquillar la realidad de los personajes con flores o falsas esperanzas, ambos (mary(6) y max(44)) viven unas existencias terriblemente desalentadoras para cada uno, muy alejados de la felicidad que desean, ambos solos como individuos atípicos de la sociedad, encontrándose maravillosamente por una serie de peculiaridades que Mary crea para probar suerte sobre su corta pero triste existencia.

Ambos personajes están tan bien escritos que uno tiende a vagar por el inconsciente personal encontrando similitudes entre ellos y uno. Quien no se ha sentido incomodo entre la gente?, quien no entiende las adicciones que se pueden adquirir?, cual es la manera adecuada de lidiar con situaciones traumaticas?,quien no ha sentido curiosidad y no ha podido satisfacerla?.

Una serie de sensaciones me deja esta película, entre buenas y agrias, ninguna es mala, si no mas bien te abre un poco los ojos para salir del egoísmo en el que por lo general nos encontramos.

Ojala que tengan contrapuntos sobre la película, a mi me pareció realmente genial, pero espero comentarios.

PD: a quien no la ha visto, la recomiendo al 100%.

PPD: la pueden encontrar aquí http://www.peliculasid.com/peliculas/mary-and-max.html , se ve bastante decente para ser de Internet.

PPD: mejor personaje de la película Ethel :)

Anyway, aqui la sinopsis:

Mary es una chica solitaria que vive en los suburbios de Melburne Australia, la niña fea de la clase con una mancha de nacimiento que cubre visiblemente su frente, con una madre cleptómana y alcohólica, con un padre desentendido de su familia, que se entretiene en inútiles pasatiempos para evitar enfrentar el hecho de que su familia es un chiste.

Max es un hombre judío de 44 años con síndrome de Asperger que vive en Nueva York, incapaz de desarrollar empatía y reconocer los rasgos faciales de las personas, su único amigo es una persona imaginaria, el Sr. Ravioli, quien pasa el tiempo leyendo libros de auto-ayuda, su madre se suicido luego de que su padre la dejara y él ha tenido una vida caótica que lo ha alejado aún más de la realidad, resumida a la visita a su Psiquiatra y el grupo de Comelones Anónimos.

Para Max la vida cambiará a partir del momento que reciba de pura casualidad la carta de una niña solitaria en busca de respuestas a una vida muchas veces poco tolerable. (http://cgnauta.blogspot.com/2009/11/mary-max-2009-critica-de-la-pelicula.html )

Detenganme si hablo puras chorradas.

Cats